Bertolt Brecht (Alemania, 1898-1956).

Poeta, director teatral y dramaturgo alemán, cuyo tratamiento original y distanciado de los temas sociales y de los experimentos revolucionarios ha influido enormemente en la creación y en la producción teatrales modernas. Brecht nació el 10 de febrero de 1898 en Augsburgo (Baviera), y se formó en las universidades de Munich y Berlín. En 1924, aparece como autor teatral en el Berlín Deutsches Theater, bajo la dirección de Max Reinhardt. Sus primeras obras muestran la influencia del expresionismo, el principal movimiento dramático de la época. En 1928, escribió un drama musical, La ópera de los dos centavos (conocida en algunos países como tres peniques o tres centavos), con el compositor alemán Kurt Weill. Este musical, basado en The Beggar's Opera (1728) del dramaturgo inglés John Gay, era una cáustica sátira del capitalismo y se convirtió en el éxito teatral más importante de Brecht. Se estrenó en 1928 en Berlín. En 1924, había empezado Brecht a estudiar el marxismo, y, desde 1928 hasta la llegada de Hitler al poder, escribió y estrenó varios dramas didácticos musicales. La ópera Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny (1927-1929), también con música de Weill, volvía a criticar severamente el capitalismo. La preocupación por la justicia fue un tema fundamental en su obra. Durante este periodo inicial de su carrera, Brecht dirigía a los actores y empezó a desarrollar una teoría de técnica dramática conocida como teatro épico. Rechazando los métodos del teatro realista tradicional, prefería una forma narrativa más libre en la que usaba mecanismos de distanciamiento tales como los apartes y las máscaras para evitar que el espectador se identificara con los personajes de la escena. Brecht consideraba esta técnica de alienación, la -distanciación-, como esencial para el proceso de aprendizaje del público, dado que eso reducía su respuesta emocional y, por el contrario, le obligaba a pensar. Ejemplos, que incluía las obras La toma de medidas, La excepción y la regla, El que dice sí y el que dice no, es la expresión más radical del propósito socialista de Brecht.

A causa de su oposición al gobierno de Hitler, Brecht se vio forzado a huir de Alemania en 1933, viviendo primero en Escandinavia y estableciéndose finalmente en California en 1941. Fue durante esos años de exilio cuando produjo algunas de sus mejores obras, como La vida de Galileo Galilei (1938-1939), Madre Coraje y sus hijos (1941), que consolidaron su reputación como importante dramaturgo, y El círculo de tiza caucasiano (1944-1945). Brecht se consideraba a sí mismo un hombre de teatro que se había liberado de las tendencias del teatro expresionista para experimentar con nuevas formas. Quería mostrar que ese cambio no sólo era posible sino que era necesario. Su versátil empleo de la lengua y de las formas poéticas -lenguaje clásico mezclado con el habla del hombre de la calle, versos libres e irregulares- lo dirigió a sacudir la conciencia del público y a llevarlo de una pasividad acrítica a la reflexión y, esperanzadamente, a la acción. En 1948, Brecht volvió a Alemania, se estableció en Berlín Este y fundó su propia compañía teatral, el Berliner Ensemble. Fue una figura controvertida en la Europa del Este, ya que su pesimismo moral chocaba con el ideal soviético del socialismo realista. A lo largo de su vida escribió también varias colecciones de poemas, que, con sus obras de teatro, lo sitúan entre los más grandes autores alemanes. Murió el 14 de agosto de 1956 en Berlín.  

Martha Graham. Una vida dedicada a la Danza!

 Celebramos el natalicio de la Gran Martha Graham:

Allegheny, EE UU, 1894 - Nueva York, 1991) Coreógrafa y bailarina estadounidense. La renovación experimentada por el lenguaje de la danza durante el siglo XX tuvo uno de sus puntales en la aportación de esta bailarina. Según su concepción, la danza, como el drama hablado, debe explorar la esencia espiritual y emocional del ser humano.

Empezó sus estudios de danza en 1916 en Denishawn, escuela y compañía fundada por Ruth Saint Denis y Ted Shawn, de quienes aprendió la utilidad de valorar las danzas no occidentales.
La tenacidad y entrega emocional de Martha eran excepcionales y compensaban cualquier tipo de carencia. Ello la llevó en 1923 a convirtirse en profesora de la Eastman School of Music de Richester, y desde entonces se dedicó plenamenta a la coreografía.
Será tres años después, en 1926, cuando debutó como artista independiente en Nueva York. Por esas fechas abandonó las enseñanzas clásicas y románticas y comenzó a interesarse por la danza contemporánea.
"Haré este tipo de trabajo o cualquier otro que desee hasta que el público me indique que debo detenerme", fue la respuesta que dio la bailarina a las críticas recibidas de sus maestros cuando decidió abrirse camino sola. Como maestra, Martha reclamaba la más absoluta entrega, en sus clases nadie reía, charlaba ni murmuraba. No había ni "buenos días" ni "adiós", sólo se escuchaba su voz dirigiendo indicaciones. Para ella, la disciplina era la fuente del éxito: "El bailarín es realista, su arte le enseña a serlo. No importa si el pie está en puntas o no, ningún sueño lo pondrá en puntas por nosotros. Para ello se necesita disciplina, no sueños", sentenciaba.
En los años 30 la danza moderna sufrió un verdadero cambio de rumbo, pues al igual que en otras corrientes artísticas, sobre todo el teatro, el agitado clima político y social de la década influyó en el movimiento de manera decisiva.Graham no estuvo ajena a este movimiento e influida por la corriente filosófica existencialista, especialmente por su amigo Jean Paul Sartre, y el socialismo, sus trabajos "Heretic" y "Sketches for the people", eran estudios sobre la rebelión de masas.


Pero si en algo su trabajo fue realmente revolucionario fue en su necesidad de expresar la realidad de su país y lograr un estilo que se diferenciara del ballet europeo. En sus obras "Frontier" y "Appalachian Spring", la coreógrafa reflejaba la vida cotidiana del pueblo estadounidense. En la década de los años 50 ya era una de las bailarinas más renombradas del mundo y la auténtica líder de la danza moderna. Su producción coreográfica era enorme y sus temáticas se habían ampliado hacia direcciones tan diversas como los rituales religiosos, la mitología griega, la condición de la mujer, las tragedias poéticas y la sátira.
El gran aporte técnico de Graham a la danza fue la creación de un nuevo método denominado por ella misma "contracción y relajación".  A partir de movimientos curvos y ensimismados del torso expresaba una parte esencial e ineludible del ser humano, olvidada hasta entonces: el dolor. Si en el ballet clásico uno de los propósitos básicos era ocultar el esfuerzo, ella lo hacía visible porque "es parte de la vida". De esta forma, todo el abanico de sentimientos quedaba representado: odio, amargura o éxtasis eran transmitidos con un solo gesto. Graham se concentró en el torso como fuente de vida, como motor. "Los brazos y las piernas pueden ser usados para manipulaciones o traslados, la cabeza para decisiones y juicios. Pero todo, cada emoción, se hace visible primero en el torso. El corazón late y el pulmón se llena, allí está el aire y con él la vida", decía.
En 1968, a los 64 años, Martha Graham dio su última función como bailarina. Desde hacía tiempo la crítica y sus propios compañeros la presionaban para que dejase el escenario. El costo de esta decisión fue muy grande: la coreógrafa cayó en un colapso físico y moral durante varios años. Sin embargo, en 1973 renació de sus cenizas: volvió a crear coreografías, a ponerse al frente de su compañía y a acompañarla en las giras hasta su muerte, ocurrida el 1 de abril de 1991.

"Nunca pienso en las cosas que hice; sólo en las cosas que quiero hacer, en las que todavía no he hecho", aseguró en la última entrevista que concedió, hecha poco tiempo antes de su fallecimiento.

A lo largo de su carrera, Graham creó más de 200 balletes y hoy en día su escuela, su compañía y su técnica continúan vigentes. Aca esta unos de sus trabajos.
 http://www.youtube.com/watch?v=fFNsKeMbW20 

 

Herber Von Karajan. Una de las mas grandes figuras de la dirección orquestal.

Nacido en Salzburgo el 5 de Abril de 1908, Herbert von Karajan comenzó a estudiar piano a los cuatro años y se presentó por primera vez frente a un público en un concierto de caridad al año siguiente. Luego estudió en el conservatorio Mozarteum de Salzburgo desde 1916 hasta 1926. Entre sus maestros se encuentran Franz Ledwinka, Franz Saber y Bernhard Paumgartner. Este último fue quien lo alentó a seguir la carrera de dirección orquestal. Luego continuó sus estudios en la Escuela de Música de Viena hasta 1929. El músico hizo su debut como director de orquesta el 22 de enero de 1929 en su ciudad natal. En 1933 participó en el Festival de Salzburgo y al año siguiente dirigió la Filarmónica de Viena por primera vez. Su larga asociación con la Filarmónica de Berlín comenzó en 1938, y culminó con su nombramiento de "Director de por vida" en 1956.

Fue a la vez Director Artístico del Opera del estado de Viena, entre 1957 y 1964, y del Festival de Salzburgo, entre 1956 y 1960. Como director del "Viena" construyó una importante colaboración entre la compañía y el Teatro Della Scala de Milán, donde dirigió regularmente desde su debut en 1948. En Agosto de 1964, Karajan fue designado para la junta directiva del Festival de Salzburgo. Otro hito en la carrera de director fue la fundación del popular Festival de Pascua de Salzburgo en 1967. La larga y distinguida carrera de grabaciones con la orquesta Filarmónica de Berlín le convirtió en una estrella internacional. Entre sus muchos honores, recibió dos premios Gramophone por dos de sus grabaciones con la Filarmónica de Berlín en 1981: la novena sinfonía de Mahler, mejor grabación orquestal; y la obra completa de Parsifal, grabación del año.

Junto a la Filarmónica de Berlín, la cual también fue dirigida por Simon Rattle, Herbert von Karajan viajaba alrededor del mundo con gran frecuencia y así fueron ganando la aclamación mundial. En 1955, la orquesta hizo su primer aparición en Nueva York y desde allí comenzó un viaje por los Estados Unidos, todo bajo la conducción de Herbert; regresando al año siguiente y en muchas temporadas subsecuentes. En total, entre 1955 y 1982, el director y la Filarmónica de Berlín tocaron 105 conciertos en los Estados Unidos. Otros viajes internacionales bastante notables incluyen: 11 visitas a Japón, el tour de 1984 que también los llevó a Korea, y, en 1978, sus primeros conciertos en China.

Además, sus conciertos en vivo  transmitidos para la televisión alemana de 1983 a 1986 permitieron a la Filarmónica de Berlín alcanzar una audiencia por encima de las estipulaciones tradicionales. Desde sus primeros años como director, Herbert gozó de una distinguida asociación con la Filarmónica de Viena en cientos de conciertos y grabaciones que también forman parte importante de su legado. En 1959, realizó una gira mundial junto a la Filarmónica de Viena, que incluyó 10 conciertos en los Estados Unidos. Fue con esta orquesta que el músico emprendió lo que sería su último viaje internacional en 1989, en el cual se incluyen tres memorables conciertos en Nueva York.

También visitó los Estados Unidos con la Orquesta Filarmónica de Londres. En el invierno de 1955, viajó por los Estados Unidos con la misma, que tuvo un total de 24 conciertos. A lo largo de su carrera, apoyó el uso de la nueva tecnología de audio y visual para realzar la expresión musical.

A comienzos de 1965, produjo películas de conciertos y óperas en asociación con el director de películas francés G. Clouzot. Siempre interesado en mejorar la experiencia auditiva para su público, adoptó rápidamente las innovaciones tecnológicas.

Reconoció a Sumi Jo como una de las mejores voces sopranos de todos los tiempos.

En reconocimiento de sus logros en la adopción del sonido estéreo en la televisión y su compromiso a la introducción del sonido digital, von Karajan fue presentado con el Rey Eduard Rhein por los fundadores de la revista Hör zu, en el año 1984. Recibió gran cantidades de premios y honores, incluidos la “Médaille de Vermeil” en París, la Medalla Dorada de la Royal Philharmonic Society en Londres. Otros directores que han recibido este premio fue, por ejemplo, Arturo Toscanini. También recibió el Premio Olimpia de la Fundación Onassis en Atenas y el Premio Internacional de Música de la UNESCO. Herbert von Karajan falleció en Salzburgo el 16 de Julio de 1989.

Alicia Alonso.Prima Ballerina Assoluta

 Directora del Ballet Nacional, constituye la figura cimera de la danza clásica en el ámbito de la cultura iberoamericana y al mismo tiempo una de las personalidades más relevantes en la historia del arte y de la danza.

Nació en La Habana, donde inició sus estudios de danza en 1931, en la Escuela de Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical. Más tarde se trasladó a los Estados Unidos y continuó su formación con Enrico Zanfretta, Alexandra Fedórova y varios profesores eminentes de la School of American Ballet.
Su actividad profesional comenzó en 1938, al debutar en las comedias musicales Great Lady y Stars in your eyes. Un año más tarde integró las filas del American Ballet Caravan, antecedente del actual New York City Ballet. Se incorporó al Ballet Theatre of New York, en 1940, año de su fundación. A partir de este momento comenzó una brillante etapa de su carrera, como intérprete suprema de las grandes obras del repertorio romántico y clásico. También en esta etapa trabajó junto a Mijail Fokine, George Balanchine, Leonide Massine, Bronislava Nijinska, Antony Tudor, Jerome Robbins y Agnes de Mille, entre otras significativas personalidades de la coreografía en nuestro siglo.

Fue la intérprete principal en el estreno mundial de importantes obras como Undertow, Fall River Legend y Theme and Variations. En calidad de figura del American Ballet Theatre, actuó en numerosos países de Europa y América con el rango de prima ballerina. En 1948, su preocupación por desarrollar el arte del ballet en Cuba, la llevó a fundar en La Habana el Ballet Alicia Alonso, hoy Ballet Nacional de Cuba. A partir de ese momento, sus actividades se compartieron entre el American Ballet Theatre y su propio conjunto, que mantuvo con muy escaso o ningún apoyo oficial hasta 1959, año en el que el Gobierno Revolucionario de Cuba le ofreció el apoyo necesario.

Entre 1955 y 1959 Alicia Alonso actuó también cada año como estrella invitada del Ballet Ruso de Montecarlo. Fue la primera bailarina del Hemisferio Occidental invitada a actuar en la entonces Unión Soviética, y la primera figura del Continente Americano que bailó como artista invitada con los elencos de los Teatros Bolshoi de Moscú y Kirov de Leningrado. En los años 1957-1958. Durante varias décadas Alicia Alonso realizó anualmente giras por diversos países de Europa, Asia, América Latina, y en Estados Unidos, Canadá y Australia. También ha actuado como artista invitada en Niza, Calcuta, Tokio, Manila, con la Ópera de París, El Real Ballet Danés, El Bolshoi de Moscú, El Ballet del Siglo XX, y en otras compañías y países.

Sus versiones coreográficas de los grandes clásicos, son célebres internacionalmente, y se bailan en importantes compañías como los Ballets de la Ópera de París ( Giselle, Grand Pas de Quatre, La bella durmiente del bosque); de la Ópera de Viena y El San Carlo de Nápoles (Giselle); de la Ópera de Praga (La fille mal gardée); y de el Teatro Alla Scala de Milán ( La bella durmiente del bosque).
Alicia Alonso ha sido acreedora de numerosas distinciones, tanto en Cuba como en otros países. Entre ellos se cuentan el Premio Anual de la revista norteamericana Dance Magazine, 1958; la Orden del Trabajo de la República de Viet Nam, 1964; el Gran Prix de la Ville de París, concedido en 1966 en forma personal y en 1970 conjuntamente con el Ballet Nacional de Cuba, el Premio Anna Pávlova de la Universidad de la Danza de París, 1966; la Medalla de Oro del Gran Teatro Liceo de Barcelona, 1971; el Premio Porselli "Una vida por la danza", Italia, 1983; el Premio Gran Teatro de La Habana, 1985, y Osimo Danza, en Italia, en 1994.

En 1980 recibió un homenaje internacional en París, organizado por la UNESCO. En 1981 fue galardonada con la Orden Félix Varela por el Consejo de Estado de la República de Cuba. Ha recibido las más altas condecoraciones oficiales de México; Panamá y República Dominicana: La Orden de El Aguila Azteca, La Orden Vazco Nuñez de Balboa y La Orden al Mérito de Duarte, Sánchez y Mella, en el Grado de Comendador. En 1993 se le otorgó la Encomienda de la Orden Isabel la Católica, que adjudica el Rey de España Juan Carlos I.

Desde 1993 dirige la Cátedra de Ballet "Alicia Alonso" en la Universidad Complutense, de Madrid.
En septiembre de 1996 el Ateneo Científico, Artístico y Literario de Madrid, le rindió un homenaje público por su valiosa creación artística y cultural.
En mayo de 1997 año fue homenajeada en el Metropolitan Opera House, de Nueva York, por el American Ballet Theatre, con motivo del cincuentenario del estreno del ballet Tema y variaciones, creado para ella por George Balanchine, Asimismo, los Festivales de Joinville, en Brasil y de Nervi, en Italia, la homenajearon por su excepcional trayectoria artística.

En 1998 la Universidad Politécnica de Valencia, la invistió con el grado de Doctora Honoris Causa, y fue distinguida con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Ese mismo año, la República Francesa le impuso la Orden de las Artes y las Letras, en el Grado de Comendador, y el Consejo de Estado cubano la condecoró con el título de Heroína Nacional del Trabajo de la República de Cuba.

En diciembre del año 2000, el Gobierno de su país la condecoró con la más alta distinción que otorga: la Orden "José Martí".

Como Directora y figura principal del Ballet Nacional de Cuba, Alicia Alonso ha sido inspiración y guía para la formación de una nueva generación de bailarines cubanos, con un estilo propio que ha conquistado un lugar destacado en el ballet internacional. Vídeos de Alicia Alonso:
http://www.youtube.com/watch?v=krcmx4vdeTU
http://www.youtube.com/watch?v=fnT41OOsGd0
http://www.youtube.com/watch?v=DQrrBSZpLyk

YMA SUMAC (la diosa del peru)

Yma Sumac nace con el nombre de Zoila Augusta Emperatriz Chávarri del Castillo, un 10 de Setiembre de 1922, en Ichocán, Cajamarca, Perú. Sus padres fueron Sixto Chávarri y Emilia del Castillo Atahualpa. Desde inicios de su carrera se dijo que Yma Sumac era descendiente directa de Atahualpa, último de los reyes Incas, y esto fue confirmado por el Cónsul General del Perú.


Después de que se descubrieran sus dotes de cantante a los 13 años de edad, Yma Sumac se mudó a la ciudad de Lima. Su primera aparición en radio fue en 1942.
Además se destacó por su belleza y exotismo, ya que afirmaba ser una princesa inca descendiente del emperador Atahualpa. Es la única peruana que tiene su nombre inscrito en el Paseo de la Fama de Hollywood.


Usando el nombre artístico de Yma Sumac grabó como mínimo ocho canciones de folklore peruano en Argentina en 1944. En estas primeras grabaciones, para el sello discográfico Odeón, era acompañada por la agrupación de Vivanco "Compañía Peruana de Arte", integrada por 46 nativos danzantes, cantantes y músicos.
En 1946 la pareja viaja a Nueva York donde se presentan como Trío Inca Taky, con Vivanco a la guitarra y Cholita Rivero, prima de Sumac, cantando como contralto y bailando.
En 1950 el matrimonio firmó un contrato con Capitol Records, compañía que comprendió el interés que en Estados Unidos se había despertado por las culturas exóticas tras la Segunda Guerra Mundial. De hecho, en sus actuaciones aparecía vestida como supuestamente lo haría una princesa inca según el gusto de Hollywood. Ese mismo año graba, con la producción de Les Baxter, Voice of the Xtabay, que fue un gran éxito. Después grabaría con el director de orquesta Billy May. Su repertorio se nutría de canciones del folklore andino y de otras compuestas por su marido. En 1954 participa en la película El Secreto de los Incas, con Charlton Heston y Robert Young, donde interpreta los temas "Taita Inty", "Ataypura" y "Tumpa". En 1955 publica Mambo!, con ritmos afrocubanos. En 1956 aparece en la película mexicana "Música de Siempre", donde escenifica "Chuncho" y al año siguiente lo hace en "Omar Khayyam", con Cornel Wilde.


  A principios de los sesenta, con su popularidad en declive en Estados Unidos, consiguió hacerse popular en la Unión Soviética donde en 1961 grabó un disco en directo acompañada por la Orquesta Sinfónica del Teatro Bolshói. Una década después, en 1972, grabó un disco de rock, Miracles.


Registro vocal
El registro vocal de Yma Sumac, abarcaba desde un Mi2 a un Mi7, en un momento en que el promedio que alcanzaba una cantante de ópera era de dos y media, siendo la primera cantante en alcanzar este rango en la historia de la música. La nota más alta de la peruana era de un Mi7, producido en varios conciertos pero nunca escuchado en grabaciones, y su nota más baja fue un Mi2. Así pues su rango vocal abarcaba desde soprano de coloratura hasta los graves de un barítono con pleno dominio y comodidad en todos los registros. Ha sido la única que logró hacer la triple coloratura que es el trino de las aves, además de lograr la 'Doble voz' en la canción "Chuncho", y superó a Erna Sack en las notas altas y a Mado Robin con su famoso Re7.


En su carrera artística Yma Sumac grabo 11 Discos y 5 películas.
Distinciones:

• "Orden El Sol del Perú" en el grado de Comendador por el Estado Peruano.
• "Medalla Jorge Basadre" por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.
• "Las Palmas Artísticas" del Ministerio de Educación.
• "Medalla de Honor de la Cultura Peruana" del Instituto Nacional de Cultura.
• "La Medalla de la Ciudad" por la Municipalidad de Lima.

Espero que con esta pequeña reseña biográfica quede un poco claro quien fue Yma Sumac y su asombrosa carrera artística y su genial voz. Les anexo varios links con sus canciones creo que al igual que yo se sorprenderán!!!
http://www.youtube.com/watch?v=R-C7jZfAQ34
http://www.youtube.com/watch?v=1KprLT-JxPY&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=1KprLT-JxPY&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=yhUBJZdL8BY&feature=related